Catalogue de l'exposition Honet - Galerie At Down 2019

ISBN : 979-10-310-0670-3

20 X 25, 224 pages

... l’idée d’harmonie est justement au cœur de Filiation Commune, l’exposition qui réunit ces deux personnalités artistiques. Unis par les liens familiaux en tant que cousins, enracinés dans la même culture graffiti, façonnés par la chaleur du Sud, Maye et Momies ont beau avoir une génération de différence, ils se comprennent mutuellement, jusqu’à partager avec élégance une même vision de la peinture : l’interaction certes, la sublimation du lieu bien sûr, mais le plaisir avant tout. Déjà invités à l’occasion de festivals (Grenoble, Toulouse, Nouméa), le duo construit depuis une esthétique commune tout en conservant chacun leur propre style. Lorsque les fougues abstraites de l’un fusionnent avec les silhouettes élancées de l’autre, quand le fond se confond avec le premier plan, que le troublant réalisme des scènes et détails épouse un univers défiant les lois de la gravité, la filiation prend forme sous nos yeux, brûlante d’équilibre. Avec eux, pas de hiérarchie, de début ou de fin, d’envers ou d’endroit. Il s’agit simplement d’évidence et de sincérité. Filiation Commune s’adresse ainsi à tous, nous auréolant de bienveillance, dans le simple et pur esprit propre à la culture graffiti. Sabella Augusto

ISBN : 979-10-310-0518-8

20 X 20, 106 pages

Aussi loin qu’il s’en souvienne, Tanc a toujours considéré l’écriture comme un refuge. Jeune écolier, pour tromper ses professeurs, il remplit ses pages de cahiers d’une graphie indéchiffrable mais qui n’en reste pas moins fascinante. Lancinante aussi. Car dans l’intimité de son atelier aujourd’hui, Tanc poursuit cette manie, la rendant audacieusement malléable à ses humeurs, influences et obsessions du moment. En affirmant que le processus triomphe sur le résultat, Tanc s’en remet au geste, aussi frénétique que spontané. N’écoutant que son propre rythme, les pulsions que lui évoquent ses souvenirs, il délie sur des formats variables une langue, celle de l’émotion, sans se soucier de l’illisibilité qu’elle génère. En cela Tanc n’impose rien à celui qui regarde, ni interprétation ni déchiffrage et encore moins une traduction, si ce n’est que de s’abandonner à nos propres repères. Capable de s’engager profondément jusqu’à épuisement dans un procédé, un outil, une forme ou un style, l’évolution de son travail devient nettement visible grâce à un ensemble de séries : parti des Sphères (une ode à la peinture sprayée), passé par la série des Oscillations (une véritable recherche de l’épure), revenu à la saturation avec les écritures grattées et griffonnées, le travail de Tanc fait désormais un pas de plus vers l’abstraction la plus totale. La peinture à l’huile, ici agglomérée, est modelée directement grâce à son contenant, pressé à son paroxysme, et se meut sur la toile tels les remous figés d’un océan inquiétant. L’écriture engoncée et qui tend à disparaître même, Tanc nous aspire dans un autre langage, celui de la couleur. Voilà en effet une autre dimension de son travail, pour autant toujours habité du même instinct face aux souvenirs. Si le bleu, ultramarine, outremer, profond, prédomine largement dans ses dernières œuvres, Tanc compose depuis ses débuts avec les couleurs comme s’il s’agissait de nappes sonores, enveloppe son support de dilutions prêtes à jouer le jeu du hasard. Face aux écritures, habitées par l’horizontal, une nouvelle série de dilutions réalisée aux encres fait cette fois-ci la part belle au vertical, non sans rappeler une nouvelle fois le fantôme de sa pratique graffiti. Enfin, l’œuvre de Tanc ne serait pas totalement complète sans le versant musical qui l’accompagne. Compositeur à part entière, la musique électronique semble chez lui relever du même processus créatif sincère et spontané, du même mot d’ordre, la liberté. Lorsque Paul Klee en son temps, pensait les liens entre la peinture et la musique, Tanc aujourd’hui nous prouve à quel point ces deux disciplines peuvent largement s’inspirer l’une et l’autre, voir discourir ensemble. Sans cesse explorateur de sa propre psyché, Tanc laisse dans ses sillages visuels et sonores une part de lui-même. La main qui écrit ou qui dessine, la main qui compose ou qui joue, peu importe les mots, le langage l’écriture finalement, c’est comme si tout cela voulait dire la même chose. Sabella Augusto

ISBN : 979-10-310-0501-0

19 X 25, 98 pages

Revenu d’une escapade longue de deux années, Polar semblait impatient de faire parler ses mains, son cœur large de souvenirs et son regard, mûri par la diversité des pays parcourus. Sur son passage, les terres insaisissables, de l’Australie à la Nouvelle-Zélande en passant par la Colombie, déclenchent en lui l’intense désir de renouveler sa peinture, et de traduire la variété des sentiments rencontrés.
Enivré d’énergie, il recompose les souvenirs émerveillés de son voyage en accordant une large place à la Nature et aux différentes végétations luxuriantes, tendrement observées ci-et-là. Loin d’être morte, sa nature à lui diffuse des ondes d’une rondeur parfaite, des nappes visuelles au psychédélisme contemporain, et nous éloigne de toute réalité normée.

ISBN : 979-10-310-0340-5

20 X 25, 168 pages

Fort d’un sens aigu de l’observation de la ville et de ses nombreux signes, qu’il conjugue avec une connaissance parfaite des civilisations et des spiritualités orientales, L’Atlas parsème dans le monde entier une œuvre de l’esprit mi-signature mi-cryptogramme. Longilignes, labyrinthiques et autoritaires, ses traits, grandement identifiables, reposent les âmes sans toutefois manquer d’impact, la qualité numéro une recherchée par tout artiste passé par le graffiti. Du carré de toile, support à l’intéressante mobilité, jusqu’au gigantisme des murs qu’on lui confie, il trouble nos repères spatio-temporels, culturels, et ose s’interroger sur les questions contemporaines des frontières entre la vie et l’art. « Fades & Drips » est l’occasion pour lui d’investir davantage de part de hasard dans son œuvre, laissant la bombe de peinture en grande souveraine. Duel de l’instinctif et du catégorique, le tout dans une dualité des couleurs hypnotisantes, cette nouvelle exposition de L’Atlas à la galerie At Down est une invitation universelle à le rejoindre dans sa quête d’harmonie et de paix intérieure.

ISBN : 979-10-310-0323-8

20 X 20, 136 pages

Terreau fertile d’un graffiti pluriel, sempiternel soleil et carrefour des rencontres immanquable, c’est depuis le Sud de la France que Vania cultive un style libre, brillamment personnel. Partie prenante d’un noyau dur local très actif et ce dès 1990, cet infatigable voyageur entreprend sa vie comme un terrain de jeu géant : vingt-sept ans plus tard, avec un peu plus d’une vingtaine de destinations au compteur (témoignant un fort intérêt pour les pays de l’Europe de l’Est) et une productivité conséquente, le nom de Vania résonne comme une évidence intergénérationnelle. 

Enraciné dans la culture graffiti la plus traditionnelle donc, à coups de signatures wildstyle et alambiquées, Vania décide pourtant très vite d’aller chercher la radicalité dans son acte, l’économie dans son geste. Tout en restant fidèle aux principes inhérents à la pratique (spontanéité; prise de risque; vitesse d’exécution; impact visuel), son style glisse progressivement vers une épuration totale des lettres et autres ornements. Le nom devenant invisible, c’est désormais son style qui parle à sa place : minimaliste, aérien, fugace, et résolument abstrait. À l’image de ces supports roulants, Vania détale à toute vitesse, persiste et signe dans son style, convaincu de ne devoir écouter que son instinct. Près d’une quinzaine d’années avant l’avènement d’une tendance mondiale pour un graffiti abstrait, il essuie les critiques et réflexions au parfum d’incompréhensions. TER et autres wagons aux couleurs de l’Europe voient alors défiler le jeu incessant de ce qu’il présente comme des fleurs, suggérées par trois pétales et un bouton rondement dessiné. La tige enfin, élancée et assurée, vient faire le lien avec le support, le cadre, l’environnement. Car Vania occupe l’espace sans jamais nier l’existence d’une gravité, d’une fondation. En partant de manière systématique du sol ou du bas de caisse d’un wagon, ses fleurs ou compositions géométriques viennent ensuite jaillir dans tous les sens, trahissant une main pulsionnelle, une exécution que l’on pourrait croire quasi-chorégraphiée. Bouquets de couleurs savamment associées sur fond de projections aléatoires et ruisselantes, le motif inlassablement répété génère l’effet de surprise à une subtile esthétique qu’on lui reconnaît désormais comme étant sa propre marque de fabrique.

ISBN : 979-10-310-0310-8

20 X 20, 102 pages

C'est au début des années 2000 qu'il se fait connaître à travers le globe en réalisant des fresques sur les murs des capitales d'Europe et de New-York.
Doté à la base d'un style très figuratif, il fait évoluer son oeuvre vers l'abstraction. La posture féminine est une constante dans son travail. Il aime faire évoluer ses personnages dans un réalisme de plus en plus flou où leurs positions et leurs attitudes priment sur le reste.
Cet artiste très innovant ne connaît ni limites techniques ni limites graphiques. Mixant rouleaux, marqueurs, pinceaux, bombes et projections dans ses oeuvres, il aime se réinventer et surprendre à chaque nouvelle création c'est pourquoi sa proposition graphique est multiple même si sa fibre et son style unique restent automatiquement identifiables.

ISBN : 979-10-310-0287-3

20 X 20, 90 pages

Peu importe le style, pourvu qu’il soit mûri. La réflexion est chez Jonnystyle une impérieuse constante qu’il s’exige tant à lui-même qu’au spectateur, et qu’il conjugue à l’aide de mots, de couleurs et de personnages. Pour sa seconde exposition à la galerie At Down, nous le retrouvons une nouvelle fois scénariste d’un monde qui l’a vu grandir, et dans lequel il évolue depuis 1997, celui du graffiti. Du fond et de la forme et ses treize poèmes nous convient dans les profondeurs de son impertinence, nourrie d’analyses cruellement méditées. Écrite dans le plus pur et dur respect des règles classiques de la poésie française, cette série se lit telle une typologie des acteurs du mouvement graffiti, aussi pluriels soient-ils : de l’avide collectionneur à l’expert auto-proclamé, du naïf suiveur au caïd déraisonné, de la groupie sans saveur au fils de, autant de portraits donc dans lesquels Jonnystyle distille critiques viscérales et analyses cyniques, enjolivés à coups de figures de style, allitérations et rimes riches. C’est donc sous une forme audacieuse car littéraire, que Jonnystyle choisit d’évoquer non sans passion, la culture dans son intégralité, qui agite ses mains et son esprit. Enveloppé dans le culot qui le caractérise et qui l’a fait connaître début 2005 à Montpellier, Jonnystyle n’accuse pas plus qu’il ne juge, mais pose tout simplement le doigt là où bon nombre d’entre nous n’oserait pas songer : le graffiti dans son ensemble, porté aux louanges et manifestement très en vogue actuellement, est-il un mouvement artistique aussi vertueux qu’il ne le prétend ? L’engouement enthousiaste qu’il reçoit doit-il nous endormir sur l’authenticité présumée que les artistes défendent ? On connaît certes, les formes du graffiti, mais le(s) fond(s), à quoi ressemble(nt)-il(s) ? Outre ce travail plein d’âme, l’œuvre entière de Jonnystyle est imprégnée de poésie, d’aigre-doux et de clins d’œil à des références qui s’adressent à tout le monde, jeunes et moins jeunes. Dessins, peintures sur toile de lin, installations et parfois films d’animation composent un univers exclusivement figuratif et qui n’en reste pas moins conceptuel. Riche d’une carrière désormais longue d’une vingtaine d’années, Jonnystyle s’obstine tête haute, à vivre pour l’art et par l’art, pleinement conscient de l’inattendu de ce parcours. Sabella Augusto

ISBN : 979-10-310-0253-8

18 X 22, 112 pages

MEAR ONE (Kalen Ockerman) a été à la pointe du graffiti de Los Angeles et de la culture de l’art mural pendant près de trois décennies. Il est célèbre pour avoir lancé le mouvement de l’art du graffiti de Melrose à la fin des années 80 et est considéré par beaucoup comme le plus prolifique muraliste public de Los Angeles. Au début de sa carrière, MEAR a gagné la reconnaissance du public pour avoir allié graffiti et Beaux-Arts.
Il fut le premier graffeur à exposer à la célèbre 01 Gallery sur Melrose, ainsi qu’à 33 1/3 Gallery à Silverlake, où Banksy, fera plus tard, sa première exposition en Amérique du Nord. Le travail de MEAR ONE faisait partie de l’exposition Art in the Streets 2011 au Musée d’art contemporain de Los Angeles. Il est  connu pour créer de puissantes images mélangeant philosophie, mythologie ancienne et politiquemoderne afin de faire évoluer les consciences. Cette interprétation de la réalité est réalisée grâce à un équilibre entre réalisme et surnaturel. MEAR ONE nous aide à envisager l’esprit sublime de notre temps – pas en échappant à la réalité, mais en nous y confrontant.

ISBN : 979-10-310-0218-7

21 X 29,7, 150 pages

Dès ses débuts, vers la fin des années 1980, Honet n’a jamais eu à choisir son camp, il l’a lui même construit : garant d’un graffiti aux formes minimalistes, son style graphique n’a pas besoin de techniques pour projeter autant d’impact. Finalement cette pratique, romantiquement vandale, n’est qu’un prétexte pour sublimer la fragilité des moments de sa propre vie, rythmée par les rencontres et les excursions incongrues. Après une première étape en Allemagne, Majic Eyes Only étrenne les souvenirs d’un périple états-unien réalisé en
2015. De détours en traversées, d’évènements festifs en anecdotes surréalistes, Honet a capturé l’essence et les ambiances d’un pays fascinant d’esthétisme. Au travers de dessins aux lignes épurées, il parsème son art d’indices passionnants et inscrit l’Histoire dans d’autres histoires, les siennes.

ISBN : 979-10-310-0152-4

20 X 25, 160 pages

Smole, s'est engouffré corps et âme dans le monde buté du graffiti à peine âgé de quinze ans. Sous l'impulsion d'une première génération de tagueurs montpelliérains, des mentors pour lesquels il porte une éternelle reconnaissance, il découvre dès le début des années 2000 son support de prédilection : le train. À partir de ce moment précis, c'est une déferlante de Smole et autres C4, TF1 ou FTW (les noms de ses crew) qui s'abat sur l'Europe : de Rome jusqu'à Barcelone en passant par Bruxelles ou Bucarest, très vite son nom circule tant sur les murs, les wagons que sur les lèvres d'initiés, intrigués. Devenu obsessionnel, quasi compulsif, le graffiti revêt alors chez lui l'apparence d'une addiction vagabonde, lui offrant tour à tour des amitiés mais aussi les inexorables sirènes judiciaires. Pour cette exposition personnelle, Smole a concentré toute son énergie à magnifier l'univers du rail qu'il connaît si bien. Récemment installé à Sète, une ville de tout temps aimé des artistes, il s'est livré à la récupération d'objets et de matériaux trouvés ci et là sur les voies ferrées des alentours. Sélectionnés, ces objets reçoivent une seconde vie grâce aux lettrages et autres pérégrinations artistiques de ce grand gosse de 34 ans. " Rail 'n' Peace " est ainsi la preuve de la sincérité de la démarche de Smole. Une marque d'affection pour un univers d'initiés, le témoignage d'un vécu long d'une vingtaine d'années et qui n'est pas prêt de cesser. Car Smole mange et dessine, respire et tague, dors puis va peindre. Avec grande humilité.

ISBN : 979-10-310-0133-3

20 X 29, 212 pages

NASTY commence le graffiti en 1988 à Paris. Début 1990, avec une poignée d’autres Graffiti-artists, il se distingue en peignant des fresques en couleur sur les trains. On retrouve son nom dans les tunnels de la Rapt, sur les quais de Seine, le long des voies ferrées et sur les rames du métro parisien. Son activité souterraine a fait de lui une référence auprès des générations actuelles. Parallèlement, il a participé à de nombreux projets publicitaires (1664, Mercedes, Bnp Paribas, Burn, Bic, Nestlé...) ou encore dans l'univers des "artoys": Kidrobot et Toy2R à Hong-Kong. Dans ses expositions, Nasty met en scène les fameuses plaques en émail du métro parisien dont il s‘empare depuis une quinzaine d'années. Grâce à ses supports originaux, son travail se distingue lors de ventes aux enchères consacrées à l’art urbain, notamment chez Artcurial et Drouot. Son parcours depuis 1988 a été retracé dans un livre édité aux éditions Alternatives : «Nasty & Slice, Artistes en cavale».  Ses oeuvres ont été exposées au Palais de Chaillot, à la galerie Chapon,à la galerie Magda Danysz et il a fait partie de la collection Gallizia exposée au Grand Palais en 2009. Depuis 2008, il est représenté par la galerie Bailly Contemporain à Paris. Plus récemment, Arte lui a consacré un documentaire de 26 minutes, dans l'Art & la Manière.

ISBN : 979-10-310-0109-8

20 X 29, 152 pages

Il commence le Graffiti très jeune sur les trains New-Yorkais avant de s'exercer sur les toiles. Il intègre dès 1983 la galerie Sidney Janis avant de faire son entrée dans les plus grandes collections mondiales du MOMA de New York au Stedelijk Museum d'Amsterdam. Il apparait au grand public en coproduisant avec Keith Haring la campagne publicitaire, Peter Stuyvesant. Il se fait connaitre en France en participant à l’exposition 5/5 Figuration Libre, France-USA au Musée d’art moderne de la Ville de Paris en 1984. Cette exposition mettait en regard le travail d’artistes tels que Basquiat, Boisrond, Combas, Keith Harring, Tseng Kwong Chi, Di Rosa… et John Matos Crash. En 1996, il peint cinq guitares d'Eric Clapton Stratocaster don l'une part à $321,100. En juillet 2006, il expose au Brooklyn Museum. En 2007, Secret Story utilise une de ses pièces pour créer l'Oeil de la franchise. Depuis 2010 il expose chaque année en France plus particulièrement à Paris.

ISBN : 979-10-310-0087-9

18 X 24, 64 pages

A travers ses œuvres, Gum redéfinit les codes préfabriqués d’une société à l’agonie. Avec un esthétisme acidulé et coloré, il parle de la perte de repères, où plus personne ne trouve sa place, dans une société de surconsommation aseptisée, indigeste, où l’abrutissement de la conscience générale nous rend amorphes.
Son art, c’est sa manière de décrire et dénoncer un monde où « rien ne va plus ». le plastique est le point central de sa démarche artistique et le fil conducteur de ces thèmes de prédilection : la pub, la consommation et la surconsommation, le sexe, …

ISBN : 979-10-310-0062-6

15 X 21, 130 pages

C'est au début des années 2000 qu'il se fait connaître à travers le globe en réalisant des fresques sur les murs des capitales d'Europe et de New-York. Doté à la base d'un style très figuratif, il fait évoluer son oeuvre vers l'abstraction. La posture féminine est une constante dans son travail. Il aime faire évoluer ses personnages dans un réalisme de plus en plus flou où leurs positions et leurs attitudes priment sur le reste. Cet artiste très innovant ne connaît ni limites techniques ni limites graphiques. Mixant rouleaux, marqueurs, pinceaux, bombes et projections dans ses oeuvres, il aime se réinventer et surprendre à chaque nouvelle création c'est pourquoi sa proposition graphique est multiple même si sa fibre et son style unique restent automatiquement identifiables.

ISBN : 978-2-35073-970-0

14,8 X 21, 74 pages